Contrapunctus

這組前奏與賦格應該屬於平均律裡最容易入手的那一類（不要跟我說C大調BWV846，因為那首賦格跟前奏曲難度差太多）。 我原來看到密密麻麻的前奏曲就頭皮發麻，然而經過徹爾尼299的鍛鍊，可以克服4頁以上密集恐懼症（？）以後，就覺得這個前奏曲還好，剛碰到難點就快要結束了。這個前奏曲的特徵就是複合旋律：看似一條線，其實織度甚密（圈起來的部份只有外聲部）： 在現代鋼琴上做這種隱藏線條強調並不麻煩，把那些音突出就是了，在大鍵琴上的話我目前聽過的作法是用彈性速度，把重點音拖長一點點拉開強調。但除此之外還有很多可能性，例如說： 每個小節都是兩組幾乎完全重複的東西，那請問這兩組是否要有對比性處理？（我腦補大鍵琴大概可以用不同層鍵盤的組合做到， 然而應該是沒空 ） 不同小節的和聲不同，請問要如何安排力度變化跟明暗處理？ 音跟音之間的連結度怎樣？要斷開到什麼程度？ 整體速度要多快？ 這些在原典版樂譜上都沒有指示，但這首很特別的是，後半段巴哈居然給了速度術語： 兩冊平均律裡面巴哈有給速度指示的曲子少之又少，所以問題又來了： Presto要加速到多少？ Adagio要減速到多少？ Allegro是要a tempo嗎？那Presto之前是什麼？ 變換速度前可不可以有減速或加速的緩衝過程？ 最後四小節很明確的管風琴風格，可以聽到很寬廣的持續低音。那我們幻想一下這首如果在管風琴上演奏，最前面的幾個問題就可以變成： 音栓要怎麼安排才能處理音色的對比？ （同上，應該是沒空換 XD） 這麼一想，說不定這首在管風琴上演奏會滿好聽，因為我們接下來看三聲部賦格的部份： 雖然譜上沒有寫分句法，但是不難理解這是一首偏快而且不圓滑並有舞蹈氣質的賦格，風琴笛管式的斷奏具有鮮明的彈性，很適合這首的味道。主題是黃色部份，兩個對題一個是橙色一個是綠色。聽起來很平順（而且因為動機短，也很洗腦），沒有複雜的什麼密接或增減值手法。有意思的地方，是賦格的第三、四、五個插入部越拉越長，造成一種等待解決的緊張感。 詳細和聲分析我就不寫了，這首很多人分析過，資料也很容易找到。 BTW，我覺得這個賦格最後有個和聲很能體現巴哈比較激動的個性： 那個減七就像是一記酸梅直拳（有這種東西嗎），最後讓人生津回味的奇妙點。不信你把它改成其他七和弦聽聽看..... （...

（這是久違的作業文） 這首三個聲部進行的密度從頭到尾非常均勻，也就是除了開頭展示主題那兩三小節以及插入部(?)以外，其他全部都是給你 滿滿的三！聲！部！ ，連尾聲也變得不是很明確。 （唯一可以確定的就是回到f小調的時候就是該結束了） 以下是不負責任的音樂分析： 三個主題各自的性格很明確，但是又全部統一在半音階的特徵下，一個是後半拍起的三個音，模進三次進入終止式： 跟這個主題對位的第二個主題，是半音階下行的這個（請注意第一個主題是上行，但是第二個主題一開始就反向往下，所以拉扯效果非常有趣： 第三個主題從第一個主題變化而來，他是第一個聲部減值（diminished）後所得： 前四個小節是exposition（呈示部？）然後兩個小節的插入部（上圖最後兩小節），接下來就是三個主題分配在三個聲部，捲在一起從頭到尾上演著各種翻身壓來壓去的情節...最遠發展到降D大調（所以會看到重降記號這種東西在下行半音階出現）...透過降A大調，最後回到f小調，立刻進入三小節長，簡單不囉唆的尾聲。 練習感想： 這首的休止符真的超重要，他決定了呼吸跟節奏，也決定了聲部的輪廓。 起頭練的時候覺得手指上很難，後來習慣那個pattern就好多了。 這首因為各條線平行度很高，所以可以找到明確的終止式位置，分段個各擊破。 f小調好像一直都跟passion（激情、受苦）有所連結，這首也不例外。我推薦大家去看看布梭尼版本的註解，他對這首的性格有很好的解釋。但是呢以下這個大家笑笑就好了XD 他說為了表現結尾必要的莊嚴肅穆感，他推薦把左手低音主題全部都八度演奏，並且加上踏板，以管風琴（腳鍵盤）的風格表現。我覺得如果沒有整首重編，聽起來會有種 開頭吃開水燙青菜，結尾吞豬油 的效果.... 以布梭尼熱愛低音八度跟管風琴宏大音色的作風，我覺得大家可以認真考慮在電子琴上演奏這首（那樣就有腳鍵盤額外低音了喔～）....

Johann Ferdinand Burgmüller, 1806-1874 每個學鋼琴的人幾乎都用過的布爾格彌勒的Op.100 25首練習曲，後面還有18首跟12首進階練習曲，都很好聽。在全音版的25首練習曲樂譜上，介紹作者時，說作曲者天份很高，可惜26歲早夭，是個不幸的天才。 我要說的是，的確有個作曲家布爾格彌勒，26歲就英年早逝，可是，他不是寫這三套練習曲的那個布爾格彌勒，是作者的親弟弟，諾伯特・布爾格彌勒。練習曲的作者叫做斐迪南・布爾格彌勒，他不但沒有早夭，還在巴黎混得不錯，活到快七十歲。 這兩兄弟來自音樂家庭，父親August是威瑪的劇院總監，但是父親過世後家境困窘起來。兄弟兩人皆拜名師Ludwig Spohr和Moritz Hauptmann學習鋼琴與作曲，但是顯然弟弟諾伯特的表現更為出色。當時諾伯特的才華更受肯定，名氣比較大。 哥哥斐迪南學成之後在1832年搬去巴黎，之後再也沒有回故鄉。弟弟卻因為一段失敗的戀情，開始出現癲癇發作的症狀，並開始酗酒。1830年弟弟搬回杜賽朵夫與母親同住。當時孟德爾松也在杜賽朵夫，兩人交遊，甚相得，度過幾年愉快的時光。然而孟德爾松1835年離開杜賽朵夫搬去萊比錫後，諾伯特又經歷另一次婚約取消的打擊，1836年他決定離開傷心地，去巴黎投靠他哥。路上經過亞琛，諾伯特在當地泡溫泉時，因為癲癇發作淹死在溫泉池裡，得年26歲。 Norbert Burgmüller, 1810-1836 舒曼親自為諾伯特・布爾格彌勒整理遺作與補筆交響樂配器，還把他的死與舒伯特的短命相提並論，哀慟這音樂史上巨大的損失。然而今天大家記得的那個布爾格彌勒，竟是那個搬到巴黎安生一世，寫了一堆法國人喜愛的沙龍音樂，最後以三套初級練習曲留名的人。 早夭天才為孩子寫出一套套充滿童心又優美的練習曲，雖然這故事很不錯，可惜全音搞錯了，死的人不是他。XD . . . . . ......而且最慘的是，這個錯誤，我到今天才知道。XDDDDDDDDD

又是一篇填充版面的作業文.... 最近的作業開始彈孟德爾頌的無言歌 針對我對大量和弦該如何固定指法與彈出層次感和音色的問題 老師開了些菜單練習 於是就不知不覺累積了四五首出來 其中讓我印象比較深刻的，是Op.19 No.2 a小調這首 選這個影片不是因為我喜歡他的處理（我先說我不愛 尤其是裝飾音和結尾他的彈法我並不喜歡） 而水管上可選的又不多 學這首的時候感覺自己的彈奏能力被全方位挑戰了 那些乍聽之下/譜面乍看之下只是伴奏的東西 事實上都有細緻的層次與隱含線條 每個線條都有獨特的音色應該表達 （我甚至還在結尾寫了pizz. 要像大提琴撥弦一樣的共鳴） 尤其整首要保持速度穩定不要有太噁的彈性速度（水管上有些人時快時慢像打嗝） 光開頭那個下行的部份 第一個音該如何進來 是肯定的 還是猶疑的 不安的 還是該像大頭針一樣穩穩的釘住？ 一旦開始思考 就覺得怎麼彈 音色都無法讓我自己滿意  ...... 當老師挑戰我，問我認為這邊那邊 什麼是重點 應該怎麼處理時 我忽然有一種被電到的感覺.....那就是.....我應該要思考，為自己彈出來的音樂負責了 有那麼幾秒鐘好像碰觸到在這種種實踐彈奏的東西背後真正的意義 這可能是一種長大的感覺 雖然模仿老師的品味是很天然的反射 可是這並不是長久之計 總有一天 我必須發自內心的懂得為什麼我要這樣彈 並且從說服我自己開始 進而說服聽了我的演奏的人 （聽起來好像很遙遠 可是其實並不遠） 同樣的在練習三聲部創意曲第四首時 老師幫助我克服了技術問題後 剩下全都是我的事了 這首最好聽的地方是結尾 巴哈非常愛用的半音階下行＋減七和弦 居然有種悲劇感冉冉升起 聽起來讓人想到音樂的奉獻那個難聽的主題XD 老師看到我臉書這樣寫 還加碼：「請參照平均律第二冊d小調賦格的結尾」 唉呀好像啊 果然是巴哈一貫的伎倆.... 同場加映：彼得・羅塞爾 去年底 就在最窮的時候 咬牙刷卡買票去看了彼得羅塞爾（Peter Rösel）的音樂會 我必須說這後勁實在好強大 我終於又遇到一個貝多芬彈得讓我五體投地崇拜的鋼琴家 超洗腦的 （那種效應 相當接近我在少年時期 被費雪狄斯考建立美學標準那麼大的影響） 而且他莫札特也彈得好棒 一點花招都沒...

轉眼間2015過去一半多 這個部落格居然荒廢大半年（遮臉） 那就來點作業文灌個水好了.... 年初結束了十五首二聲部創意曲的功課 感覺自己繞了真久（這遠路還都不是我自己繞的） 不過我可以分享一下我個人認為的難度順序： 相對比較簡單的一組： 1, 4, 8, 6, 10, 7 說是相對簡單不過我覺得還是有值得講究的東西 我個人覺得： 1雖然是入門第一曲 但是如果只是彈完了事 不多看他兩眼很可惜 因為巴哈用這首開宗明義告訴你作曲的奧義：正著來、反著來、倒著來 小小一個動機發展30幾個小節 首尾連貫又勻稱 又好聽 而且又能彈 實在太強 10的Gigue節奏是個好問題 6和7的aria歌唱感和旋律裝飾變化也需要消化理解 相當有挑戰性的： 2, 3, 5, 11, 14, 13 特別是2的嚴格卡農，11的對位寫作，都非常的美 彈這一組會讓人讚嘆巴哈對形式的細節掌握 對我來講13一直都練不好，位置變換很惱人，可是大家都說他簡單我理解不能 可能我當時程度太差 真的有點難： 9: f小調複對位，臨時記號很多，轉調很頻繁，一不小心就會變成小節為單位不知所云的碎塊 12: A大調這首選這裡是因為加頭帶尾的長震音不好欺負，分解和弦要練得很流暢，但以音群組合的難度來說不如上面這首 15: b小調，超神秘，音符很大顆可是左右手的線條很難同時顧好，大腦會異常忙碌 ----以上是舊作業的分隔線----- 結束二聲部創意曲就直接進入三聲部 簡而言之就是要怎樣長出第三隻手 並且時時刻刻感受到第三隻手的存在 進而創造三條線的立體空間 彈到這邊就會開始強烈感受到多聲部對手的「運動效果」 因為會面對： 1. 不著痕跡地換指。 換指不只是為了要去接另一個聲部所以得把手指喬出幾根可用的 而且為了聲部的線條連貫，不放棄任何一個聲部的線條 必須要時時刻刻準備換指 這時候得對鋼琴的性能有點初步掌握 怎樣在不擾動鍵盤action的狀況下省力而快速的完成 2. 從小指上面翻過去。 這個對初學者來講可能會挨揍的動作 其實習慣就好了，但是翻得不順是聽得出來的，科科 不只是4翻5，還有3翻5 小指必須能在任何壓力和角度下都妥妥的站或躺在琴鍵上完成使命 3. 在鍵盤上滑。 當你只有一根大拇指可用但又要到第三個音才能接給...

很久沒貼作業文了 昨天晚上練琴的時候 數了一下 原來大半年沒貼作業文 又多了好多首 首先請容我再貼一下發表會的失敗曲目兩首 Gade  Op.57 No.2 雖然找不到資料 不過這個Gade可能指的是葛利格同時代的丹麥作曲家 至於這首起這名字的原因 我真的不知道 它是個很單純的A-A-A'-Coda曲式 雖然兩段完全重複但奇妙的不令人生厭 反而加強了愉快的印象（愉快的蘋果西打XDDD） 彈的時候感覺最麻煩的是要讓織度豐盈但不能混濁 中間一段大三和增三左右高低對唱那段 我老是想到舒伯特的另一首小夜曲 "Zögernd leise" D.920 Illusion Op. 57 No.3 Gade的下一首 剛好是a小調（這是我發表會選它的原因之一） 技術不是很難 不過音色要好好思考一下 不然就會很無聊 Tak Op. 62 No. 2 曲名意思是「感謝」 是個多聲部聖詠式音樂 但主要旋律還是在最上方 這首最有特色的部份不是多聲部的地方 而是每段後面的鐘聲和回音 （當然前提是不可以砸錯音XDD） 這首彈起來最有成就感的就是這一段 從寧靜中帶著一層霧的弱音 一直到莊嚴清晰的強音 好像會有一種穩定的 值得依靠的力量從中浮現 Erotik Op. 43 No.5 上次卡薩里斯來有演奏這首 節目單翻成「愛之詩」我覺得很貼切 因為它實在不是色 但是的確相當性感 更精確的說 是一種少年春情初次悸動的顫抖與羞怯的渴望 難就難在那個奇妙的含苞後綻放的美 非常的詩意 我第一次聽Gieseking大師演奏  居然聽哭了 練得時候特別帶勁 可惜這首還是手大些比較佔便宜（哭哭） Little Birds Op. 43 No.4 這首很快就練起來了 我本來以為要花更多時間 最困難的是左右兩手要很整齊（但又不能100%太整齊 就沒有眾鳥喧嘩的效果XD） 第一次彈的時候我以為我左手無名指要廢惹 結果每天都給他震個五分鐘 兩週過去居然就會了 它的動機很小 所以很快就可以掌握整首的pattern 這故事告訴我們 在絕大多數的狀...

雖然這次練得比較確實 而且還為此加課 （當老師傳Line訊息劈頭就問：「你背好了沒？」 我才忽然有種 我真的在學鋼琴 的覺悟XD） 不過我尚未真正克服上台的緊張 一切就看明天怎樣了 （因為是很多小朋友的冗長場合 我發現我完全不可能用現場的鋼琴預演） 容易緊張出錯 除了熟練度以外 可能也關乎對自己身體的信任與否 這方面我比較差 所以時有陰溝裡翻船的離譜錯誤 該爆的爆 不該爆的也爆 好像從小到大上台 即使可以保持冷靜與自信 但還不曾在台上出現過特殊爆發力的時刻 深究起來 這種對肢體的深層不信任 在很多場合也可以察覺到 小時候去森林遊樂區玩 那裡有一些體能訓練的器材 其中一個是像泰山一樣用繩子把自己盪到對岸 每個人都盪過去了 我不應該有問題 但我就彆扭了很久 最後果然在差十幾公分的地方掉下來 有安全網當然是沒事 但下半身卡在網子裡頗狼狽 另一個印象比較深刻的是工作第一年 公司舉行逃生器材訓練 有一個是二樓的緩降梯 明明套好裝備 鬆手以後 就會以緩和的速度垂落到一樓 絕對不可能自由落體 但我竟在掛在上面三五分鐘拒絕放手 最後一咬牙放了 但動作有點劇烈 把一樓接我的同事們都嚇了一大跳 這種和身體互相對抗的事情做了太多以後 一件簡單的事情往往就會變得更加困難 無論是在琴鍵上無腦的重複同樣的音群 或是培養自己的反射動作 對聲音的記憶力之類 我總是傾向相信 這是可以用大腦控制的 但其實這些介入往往沒有我以為的那麼必要 反而越怕錯越容易錯 不過 反省了這麼多 最後還是要靠身體實踐哪（乾笑） 還是彈個讓大家happy的 笑笑就好 （這首主題還蠻像蘋果西打廣告歌的 以致於我和朋友現在都暱稱它：葛利格的蘋果西打 XD）

翻開這首的時候覺得一陣眼花 所有的錄音都把這首彈得飛快 當然 對我來說 一切只能從單細胞生物的速度開始學習 不過因為前一首d小調前奏曲的學習過程 讓我相信無論怎樣的廢墟都是可以從頭建起城堡的（握拳） 所以 三週後見.... 聽到這首就不免會聯想起一種鍵盤樂器特有的風格叫做Toccata 也就是觸技曲 顧名思義 就是以展現鍵盤樂器手指技術為目的的幻想曲 很多快速音群 規律節奏 左右交替 的技巧 Toccata的元素在巴哈的作品裡面頗常出現 比方說之前練過的升C大調前奏曲 BWV 848 的後半段 就帶有這種技巧的味道 追溯歷史 Toccata一詞來自義大利文 意思就是touch 所以翻成觸技曲蠻精確的 早在巴洛克時代之前 十六世紀 就有這類曲目問世 傳到北方德國後 確定了觸技曲前奏+賦格的形式 在巴哈手上集大成 來聽一下巴哈的老師輩Buxtehude的Toccata BuxWV(Buxtehude Werk Verzeichnes 布克斯特胡德作品編號）156 F大調觸技曲 雖然標題沒寫Toccata+Fuge 不過1:32開始實際上就是賦格段落 而這裡面的素材組合相當自由熱鬧 也有舞曲式的段落 賦格告一段落後還有第二段和第三段觸技曲 巴哈的觸技與賦格有名的就更多了 比方說不知道為什麼吸血鬼電影都要來一下的d小調觸技與賦格 BWV565 （因為各地管風琴建造年代不一 所以這些古董管風琴的音準 大都不一樣 要是覺得聽起來有點偏低或偏高 都很正常 ） 不過1980年代後有一票學者懷疑這首不是巴哈寫的 除了沒有手稿留下外（但巴哈大多數管風琴作品也沒有手稿留存） 他們舉出一些風格與寫作手法上的特異處作為證據 並認為此曲不可能早於1730年 現存最早的手抄本是巴哈學生的學生Johannes Ringk(1720-1771)的版本 上面有很詳細的速度記號、甚至還有分句斷奏之類的記錄 疑古派學者認為這些在1740年以前的記譜習慣都是很罕見的 可是反對的人認為 Ringk的抄本遍及巴哈與巴哈之前的許多大師作品 總不可能都是假的 而他本人和巴哈家族的關係也很親近 而且巴哈時代的創作 到處借用別人旋律做二創的狀態也極其稀鬆平常 有興趣的人可以看看 英文維基關於此曲的...

這次上課 我問老師 是否該練點其他作曲家的東西 但老實說我心中也沒有現在特別渴望的目標 就拿了我買的舒伯特即興曲、樂興之時合輯的原典版 本來我覺得樂興之時第六首很不錯 不過似乎不是個好欺負的曲子（可以練 但是很大的機會不能練好） 考量程度和可行性後 老師建議我可以選即興曲 幾經猶豫決定要學這首即興曲Op.90 No.4 是說我好像還沒彈過整首超過五分鐘的曲子 這首就算中段不反覆也可以搓很久 大概也是時候要進化一下了 打開樂譜時很困惑於上面有兩排指法 老師解釋曰 這是因為編者認為 為了要觸鍵輕盈 應當儘量避免使用大拇指 但是這種彈法未必適合每個人 所以就把傳統的和編者建議的兩者並列 然後我才注意到 這個版本的編者是大名鼎鼎的鋼琴家 Walter Gieseking ※ 我對這首曲子的回憶還蠻深刻的 國中時啟蒙的鋼琴老師 有一次有個機會去日本上大師班 她準備的曲子就是這一首 我就磨著她彈給我聽 從最開始還練得很慢的時候 一直到練起來完全成形 因為生怕自己此後可能找不到此首曲子 還把曲名抄在徹爾尼那本的某頁上 （結果還是抄錯了 是Op.90  不是Op.142  XDDDD） 過了一年 我發現老師把這首拿去給其他同學在發表會上彈 我還頗為嫉妒了一陣子 當時只覺得無限的陶醉 怎麼有這麼清澈 這麼充滿詩意的音樂 而且帶著一種我那時還不懂卻非常迷人的複雜與憂鬱 大概這就是我跟舒伯特結緣的開始 誠實說我偏愛Op. 90 覺得比Op.142有味道得多 至於我喜歡的演奏 不用說 第一名一定是這個： 是個完美得讓人不知如何是好的演奏 >///////< 在被齊馬曼深深觸動之前 我手邊的是這個錄音 但是一直沒有特別愛： 不知為何 可能Lupu的演奏需要一點領會的門檻 聽過齊馬曼後 過了一年半載 回頭才清晰感受到Lupu演奏中的細緻與甜美 老實說我也無法說明這中間是發生了什麼事情 （啊不就是每天下班回家定時糟蹋巴哈嗎） 是我對鋼琴的品味和眼界改變了嗎？ 也許答案沒那麼複雜 就是 人生 和 時間 而已

因為老師出國 我多了一週可以練習 昨天上課時 雖然e小調賦格還是彈得笨笨的 （這首大概要彈到四分音符＝70以上才比較有動感比較好聽） 不過還是拿到新作業了 應該很多人都很熟的D大調前奏曲 之所以說很熟 是因為我想每個有平均律唱片的人 聽到這一首算是第一片第五軌 應該還沒有失去耐性開始放空吧 （經過前面緩慢的升c小調賦格 聽到這首自該精神一振） 加上這首也是很活潑 是個假性主調音樂 又有個戲劇性的結尾 所以大概都很容易吸收留下印象 這首譜面乍看之下好像某個徹爾尼式的機械練習曲 右手十六分音符一直動個不停 左手感覺很閒 不過仔細看看會發現大有文章 就像升C大調前奏曲 或是巴哈無伴奏大小提琴組曲常見的手法 右手一直動個不停的十六分音符裡面事實上是有兩個層次的 紅圈圈可以視為一個外聲部 橘黃框框則是這整首固定不變的元素 總是同樣三個音上去又回來 （雖然中間有變化但原則上一致） 像是鐘擺一樣滴答滴答來回響 看似很空的左手也很巧妙的把男高音跟男低音聲部表達出來 調性的變化流動使得整首幾乎沒有重複的段落 最後在五級上來個幻想曲風的華麗結尾 （譜例上可以看到是很明確的四聲部織度）： 那個倒數第三小節的減七和弦一出來就覺得好像要來個什麼了不起的Cadenza 結果巴哈只是來個五級的音階讓人聞聞香 就用綠油精終止式結束了（最後三個和弦） 上面這是歐巴桑我不只一次提過的帥哥Youri Egorov的演奏 收錄在他很早期發過的唱片裡 但他平均律只錄過這首和第一冊的第二十四首b小調（很龐大的賦格噢） 之前很喜歡這個演奏 不過現在聽感覺他前奏曲衝太快惹 精準有餘 趣味不足 甚為可惜 歐巴桑一定要有離題的感想 ： 有些東西 只聽唱片 沒有親自去動手研究 可能真的就是知其然不知其所以然 雖然 我樂理沒學過 聽寫音感更是 白痴 不怎麼有天份 也沒受過什麼正式的訓練 今天下午因為搜尋資料的關係 偶然在某個音響網站 看到有人寫說 他覺得郭德堡變奏曲比平均律簡單 因為 「平均律的音聽起來一沱一沱的感覺很難 郭德堡是一片一塊的好像沒啥問題」 我閱後大驚 但隨即失笑 因為我自己過去對音樂曾有過的幼稚看法 恐怕比這還要離譜 大學時代聽郭德堡變奏曲 真以為它是失眠良藥 每聽必睡（通常聽到第...

這首在唱片裡聽到就還蠻喜歡的 不知為何我會想到某個祖母、火爐之類的形象 第一次上課時也在討論這個「在你的腳邊」講的會是什麼意思 是依戀？還是渴望？還是某種宗教的奉獻？ （最後沒有結論） 回家第一次練習時左手伴奏一出來我先生就在笑： 「咦這怎麼跟馬勒第五的慢板樂章那麼像？」 我承認自己對這種浪漫派的音樂語言並不熟悉 就像我之前在 列夫席茲的教學影片 學到的 越是聽起來不拘一格、瀟灑、彈性、抒情的音樂 背後的打底工作就越是要堅實 拍子要算得精密 彈性速度才不會亂飄一通 讀譜要仔細 才不會遺漏任何作曲家的要求 導致音樂的不合理發展 和聲要搞得很清楚 這樣才能確認什麼音該留什麼音該放 然後才能設計正確的踏板用法 發出正確的聲音 結果往往越是要冷靜才能越投入 還有好多要學啊啊啊啊 又 最近迷上Spotify 免費試用Premium帳號30天 所以 只要簡單的搜尋 就可以完成曲目不同錄音的比較 不過這個功能請慎用 因為同一首曲子一次聽十幾遍也是會吐的.....

曾有網友說我學習平均律至今（也不過才不到一年）一直只彈前奏曲不彈賦格 這叫做柿子挑軟的吃 是錯的學習方法 他的說法 我無法說是錯誤 我也知道平均律要前奏跟賦格一起演奏才完整 但是也是有程度問題 以及訓練目的問題 前奏曲有很多機械訓練是很有趣味的（就承認吧 我很勢利的比較喜歡練巴哈） 至少可以一直練習不會膩 音樂本身耐嚼 多聲部的複音音樂讓我手指獨立性甚有進步 手的筋骨關節開始有效擴張 （我剛開始學琴時只有一個八度 還很緊又不堪用 現在白鍵到白鍵的小九度 或是用拇指無名指彈八度 左右兩手都沒有什麼問題） 聽力也有改善 最重要的是 在練習其他曲目時 只要有多聲部出現的場合 我彈奏的音色層次明顯有改善 開始有裡外厚薄之分 因為受益的感覺實在太明顯 所以我真的想不出來這種有練有保庇的東西有什麼壞處 為什麼一定要吃套餐才算正規 （嗯我只是想辯解一下我練琴並沒有那麼取巧） 總之的總之 上上週結束了升C大調前奏曲 （這是一個彈過以後會發生座標偏移的曲子XD） 老師選了e小調賦格給我練 這是平均律兩冊裡唯一一首二聲部賦格 十五首二聲部創意曲很具體而微的展現怎樣用精簡的素材做出豐富的變化 第一首就是個驚人的例子 起頭兩拍上的動機 有反向 有倒影 還有倒影的反向 加上對位句的變化 實在讓人驚嘆巴哈的功力 難怪巴哈在創意曲前言非常有自信的說 ….不但能從創意中得到啟示、激發靈感，更能適當的發揮這些靈感。 最終的目的是要學會「如歌的演奏」，並且預嚐作曲的樂趣。 二聲部因為不能構成三和弦 所以只能用三度和六度關係以及經過音去補足/暗示和聲走向 而賦格的五度答題手法還是要到三聲部創意曲才明確起來 除了二聲部創意曲外 純二聲部的作品 巴哈寫得並不多 練習曲集第三卷裡收錄四首Duette 像是特大號加飯加辣版的Inventions 另外 創意曲的素材普遍比較單純 而平均律賦格因為規模比較大 主題通常不只一個 從這裡又隱隱可以聞到將來的奏鳴曲式的味道 但我不認為賦格可以叫做曲式（Form）而是一種寫作的手法（勉強說是 structure或是texture） 因為後來很多作曲家也會自由運用這種手法 但未必有完整展開 e小調賦格本身非常精彩 因為它包含兩個不穩定因素：半音階、六度結尾 所以當主題被半音階驅...

三聲部初體驗很快就過去了 大概我跟三聲部的蜜月期結束了 嗚嗚 新作業的難度陡然上升 看來要再有像E大調BWV 854這麼好欺負的三聲部前奏曲是很難了 這次這首是個很美的小調前奏曲 升g小調 除了音階以外 我以前只彈過一次跟它有關的東西 還是E大調的曲子裡轉到屬調B大調再轉到屬調的關係小調才沾上邊的 （好遠....Orz） Joanna MacGregor對這首的解說是 「這是個巴洛克時代很少用的調性 似乎屬於蕭邦那個時代 但是這個調性充滿一種特別的透明感 還有悲傷的感覺」 這種悲是哀而不傷的 很內斂很溫柔的悲傷 速度方面我發現我沒有特別的偏好 Moderato或是Allegretto都還可以 音色如果能有那種略微陰暗但是不沈重的效果 還有流暢平易的聲部應答 我就會覺得滿意 水管上看到有些人大概悲痛得太投入 速度扭來扭去 想要「做」些什麼 似乎就失去了那麼點中庸的穩重 慢速度的代表，Koroliov 老實說我覺得這有一點太慢 但他很穩定 線條異常的清晰 Massimillano Ferrati的演奏 意外的發現 有趣的是 他一出手會讓人誤以為他是要慢的 但那只是觸鍵技巧造成的假象 我的無效樣本李希特又來了 （無效樣本的意思是說我無法對他的演奏提出客觀的看法 整個人會進入腦殘粉絲模式） 他就是稍快板的代表 聽他把那個透明的質地表達得多好 還有前奏曲那複雜著一股嘆息的氣氛

昨天上課 討論BWV 856（F大調）前奏曲裡面震音到底有幾種可能性 就討論掉了半個鐘頭以上吧 師徒兩人都呈現氣力放盡的沒電狀態.... 「這首先這樣吧。」 「蛤？就這樣？」 「對啊。」 「那下一首彈啥？」 （翻翻翻） 「看是這一首（升C大調）還是這一首（E大調）還是這一首（升F大調）」 「那到底是哪一首？」 「你自己選。」（把譜塞到我手上） （翻到升C大調） 「這個感覺很有挑戰性。哪一首比較難？」 「考慮到速度的話是升C大調。」 「可是E大調是三聲部的。」 「對啊。」 「那我選這首，E大調(BWV854)。」 於是我也有一首三聲部惹！ 又 下課後我們聊到對柯洛廖夫彈郭德堡的看法 他覺得柯的演奏以他個人的品味偏好來說 稍嫌強烈 但他也說自己沒有聽很多唱片 都是靠自己學習累積出的看法 所以要說最喜歡誰的演奏 也很難講 最後我們話題結束在下面這個演奏上： （是的我開始懷念我的小磚頭了）

收在這邊的都是我上課彈過或正在彈的 全都彈得很爛 所以大家還是聽聽大鋼琴家的演奏確保身心健康就好 奉勸各位學習鋼琴者千萬不要只彈那些拜爾徹爾尼等德國系統的東西 歐洲音樂版圖不過跨過一個小小的北海 便多了許多新奇美妙的音響和清新的氣息 葛利格筆下那種細膩的鄉愁讓這些小曲子格外雋永 對我來說這好擊中遊子的情懷 跟那些法義德奧在地人寫出來的東西 就是不一樣  Op.54 No.5 Scherzo      Op.47 No.3 Norwegian Dance  http://youtu.be/jeFSbSLSI-I 因為不能嵌入所以放的是連結 吉利爾斯的演奏好令人感動 雖然是個素材短小的簡單舞曲 技術也不困難 但是他的層次感、色彩和韻律都十分豐富 沒唱片的請趕快去買 這是DG發行的  Op. 57 No.6 Home-Sickness    Op.12 No.6 Norsk 我不喜歡太快的速度 因為太快就沒有山谷回聲的感覺     Op.12 No.5 Elfentanz 這小小一首竟然也有四聲部的織度....  

巴哈佔了我作業一半以上....這也沒什麼不好，因為不容易膩，變化又多。最重要的是還蠻合我脾氣跟胃口的。（日後不定時記錄進度） 1. Invention No.2 BWV 773 2. WTC I: Prelude in F major BWV856 註一：為表示清白以及我都有在認真的學習絕無花痴，故選兩位女士的演奏如上（真是越描越黑XD） 註二：有關第二首。其實我們上課時第一個想到並馬上拿出來觀摩的是李希特怎麼彈，唯一的問題是，他彈得太快了，有些細節不容易一下子聽清楚，但以原典版來說他的演奏是最符合譜面上記錄的，特別是裝飾音的彈法。 又，李希特錄平均律的時候用的鋼琴好像是壞的，至少這一組前奏與賦格，鋼琴一直發出咕嚕咕嚕的怪聲，但是他果然在水上行走，無視這種缺陷，彈得瀟灑極了。